Sobre el episodio

Resumen

¿Cómo se define una película comercial? ¿Cuál es su finalidad? En Radio Horror Podcast debatiremos estos puntos junto a nuestro invitado especial, Franz Arriaga, y expondremos qué es lo que se busca al momento de realizar una cinta de horror ya sea comercial o de autor.

Notas de los autores

Historia (social, cultural, literaria).

Puntos resumidos:

1. ¿Cómo se define una película comercial?

2. ¿Cuál es la finalidad?

2.1. Entretener

2.2. Mercado, audiencia

2.3. ¿Qué quieren los aficionados?

2.4. Ganar dinero

2.5. Proceso de Hollywood

        2.5.1. Director

             2.5.2. Productor.

     2.6. Relevancia de meter actores famosos.

     2.7. Franquiciable

     2.8. Comunicar un mensaje

¿Qué es el cine comercial y el de “arte” o de autor?

Empecemos con la definición de “comercial”, ¿qué es el cine comercial?

Origen o fin de cada tipo de cine (ganar dinero, entretener, comunicar un mensaje, comunicar un punto de vista). Ganar dinero, ¿para quién?

¿Quién está haciendo películas, lidera este territorio? En mi opinión es Estados Unidos, que a través de Hollywood se ha encargado de ser la cara del cine en todo el mundo. Me di a la tarea de explorar la base de datos de la IMDB y su primer récord de película más antigua es de 1894, con esto, quiero decir que el agregado de información incluye las películas desde la primerita. Al ver el porcentaje por país, la producción de EE. UU., sin incluir coproducciones con otros países, es de 33%.

• El 33% de las películas que existen en IMDB, que es la base de datos más completa que existe hasta hoy pone como mínimo el 33% proveniente de EE. UU. Volviendo a la pregunta, ¿para quién hace las películas el cine comercial? Podría decir que, en mayor medida, el mercado americano y con esto: su cultura, sus valores, problemáticas sociales y políticas. Considerando participación con otros países se eleva este valor a un 36%.

• Ahora, como referencia, el segundo lugar con un 7%, un gran brinco, es India, seguido por UK con 4.7%. En los 2000, se producían 1000 películas al año, en los 60, 5000; en el 2020 fueron 33,000 y en los últimos 20 años, mantiene el 30%.

¿Cómo funciona Hollywood? Se dedica a hacer películas comerciales.

• Las casas productoras son quienes dominan el proceso.

• Ayudan a escribir guiones, ponen mentores en el proceso de ideación con experiencia en el medio, ya sea en áreas de dirección, teatro, relaciones públicas e incluso expertos en realidad virtual y realidad aumentada.

• La selección de cuál casa productora realizará un proyecto se basa en un modelo de subastas: el director debe poner la visión creativa de cómo implementará el guion, el productor debe ver la parte logística de cómo realizarlo y quién va a meter el dinero. Juntos hacen la propuesta a la casa productora, la cual les asegura la oferta y los derechos. Los estudios más grandes, como Fox, MGM o 20th Century Paramount, tienen ya contratos con distribuidoras lo cual las pone en ventaja. Para hacer la oferta, debe ser atractiva, jugando con qué actores van a salir y el personal relevante. Los grupos de directores trabajan con ciertas casas productoras. Entonces, si quieres hacer un proyecto que te parece interesante, tienes que casarte con determinados directores. La casa productora pone a modo de catálogo a los directores para que los inversionistas los elijan para los proyectos. Elegido el director, pasan a hacer una oferta de “cómo van a llevar a cabo el proyecto”. La casa productora es quien puede comprar guiones a montones y guardarlos para que nadie más los use.

¿Por qué es tan caro hacer una película?

• Entre más locaciones y personajes famosos le metas, mayor es el costo: el staff, vuelos, hoteles, comidas o manipular todos los equipos en diferentes lugares.

• Por esto muchos optan por una solución como el horror para darse a conocer. Puedes hacer una película en un solo lugar, con personajes que van muriendo poco a poco (ya no les tienes que pagar) y el asesino es un enmascarado.

• Hay países que tienen beneficios de reducción de impuestos y las casas productoras hacen películas junto con otros países para ahorrarse dinero. Casualmente, EE. UU. no tiene este beneficio fiscal porque ahí está el negocio, no les conviene. Estas coproducciones reducen el riesgo financiero.

• El riesgo monetario es tan alto que, como regla de dedo, un productor con experiencia tiene unos veinte proyectos buscando que lleguen a la pantalla grande. Compra los derechos del guion y el resto se queda en esperanzas.

• Terminada la película, si es que se termina, tienen que vendérsela a un distribuidor para que llegue al cine, al DVD y BlueRay.

• El costo de mercadeo es tan alto que, cuando compran una buena película, lo mejor que pueden hacer para mitigar el costo de inversión es hacer secuelas tan pronto como sea posible.

• Si nadie quiere tu película, siempre puedes llevarlas a festivales: actores desconocidos, bajo presupuesto, escritores sin renombre. Otra opción es mercadearla a distribuidores. Por ejemplo: subirla a concursar a Slamdance Festival cuesta $60, si queda seleccionada dentro de las noventa que muestran durante el festival, es garantía de que tendrá una gran exposición. Es el caso de “Paranormal Activity” que, una vez apareció en el festival, el siguiente año ya estaba siendo distribuida en todo EE. UU.

• Ya tienes película y distribuidor, falta que la quieran pasar en los cines. Los cines solo tienen suficiente espacio para cintas de manera limitada. ¿Suena familiar la película rara que solo pusieron una semana? Puede jugar a favor y en contra. Cuando son películas desconocidas, batallan para que las muestren, pero cuando es “Avengers End Game”, solo cines limitados tienen el derecho a la premier y se ofrece al mejor postor.

• El gasto de todos los derechos, al final se pasa al consumidor final, quien por el boleto quizá no pague tanto, sin embargo, ¿qué tal el chocolate y las palomitas?

Elementos del cine comercial

• Reducir al mínimo los gastos

• Meterle actores conocidos

• Elegir director famoso

Maximizar ganancias a toda cosa

• Ciertos temas no se van a tocar

• Inclusión de todo lo mainstream

• ¿Aversión a lo controversial?

• ¿Por qué rara vez las películas de horror se llevan los Oscares? “Silencio de los inocentes”, “Sexto sentido”, “El exorcista”, “Parasite”.

En el cine de horror, ¿qué elementos serían comercial vs. de arte?

Asustar “de verdad” vs. Scarejumps.

Ejemplos rápidos de cada tipo (The Witch vs. Chucky)

• ¿Hay elementos que vuelvan un tipo de cine como mejor o peor?

• ¿Sería mejor tener más películas de un tipo que de otro?

• ¿Qué prefiere la audiencia en general?

• ¿Qué prefiere un aficionado del terror?

• ¿Hay alguna diferencia?

El aspecto financiero

La decisión de realizar una película tiene como mínimo recuperar la inversión. Un productor no va a meter dinero para recuperarlo, sino que invierte para ganar al menos 10% adicional a lo que dio. El riesgo es mayor por todos los pasos involucrados y 10% sería poco, quizá hasta para un escenario pesimista, pero esto es un ejemplo.

Para que una película se vuelva comercial tiene que integrar este factor a la ecuación antes de realizarla y asegurarse de que la audiencia tiene la capacidad de generar esa remuneración. Entonces está la pregunta: ¿haces la película para ti o para una audiencia?

Podemos mencionar, por ejemplo, a Jorodowsky por cómo habla sobre Hollywood, dice que todo está comprado y los directores o artistas, tienen limitada su ejecución a modo de marionetas, según lo que otros les indiquen. Sus películas ejemplifican lo opuesto a una película comercial que desprecia por completo el aspecto financiero y termina siendo un producto superexcéntrico.

El casting es muy importante, pues es un gancho para apelar a las masas.

Hablábamos hace una semana sobre la estrategia de “Leviathan”: guionistas, música, efectos y actores conocidos. Están moviendo las piezas para que la gente vaya a ver la película porque quiere ser parte de esa experiencia.

¿Hubiera sido lo mismo “Halloween” sin Jamie Lee Curtis en las secuelas? ¿Por qué se volvió esencial su presencia?

Entre más desconocido sea el equipo, se vuelve más importante tener una estrella en el cast. Ver a alguien famoso aumenta el nivel de confianza. Imaginemos a Keanu Reeves… Cualquier película en la que salga es garantía de que un alto porcentaje de la población la va a ver. No importa ni de qué sea, es Keanu.

Ahora, como público, ¿estamos limitando el talento independiente porque, consciente o inconscientemente, descartamos o le quitamos valor a películas que no tienen caras conocidas? Es un autosaboteo porque, al final, no es garantía de que sea una buena película.

¿Ser comercial es parte de un viaje de los directores para convertirse en directores de arte? Es decir, ¿empiezan apelando a las masas y una vez que son conocidos y tienen el dinero, pueden hacer otros proyectos de su cajón, no comerciales? ¿Qué opinan?

Créditos:

• Radio Horror es producido por Caro Arriaga y Rael Aguilar

• Edición por Matías Beltrando desde Destek Soporte

Música:

• Closing Theme Hounds of Love por Dan Luscombe (Intro)

• Insiders por Joe Crotty (Intro)

• Patchwork por Patchworker f.k.a. [friendzoned] (Spoilers)

• Nightlong por FSM Team (Outro)